SORT VAND

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„teater, når det er absolut bedst.“

POV INTERNATIONAL

 

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„…en lysende smuk forestilling“

JYLLANDS POSTEN

 

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”SORT VAND er en flot, moderne og lidt højrøvet forestilling, som man beundrer…”

CPH CULTURE

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”Denne forestilling tager røven på dig – på den gode måde, vel at mærke”

DEN 4. VÆG

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„Det er nærmest et kunstværk. Et poetisk kunstværk. Smukt som bare fanden.“

SCENEKANTEN

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”…spillerne er en fornøjelse med skarpt opmålte, usentimentale replikker.”

GREGERS DH

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”…en smuk og tankevækkende teateroplevelse”

KOP KULTUR

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„Sort Vand er lige så smukt som sit navn.“

POLITIKEN

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„Resultatet er ikke bare anderledes smukt, men også sært bevægende“

BERLINGSKE

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„… en våd spilleplads med 5000 liter vand, der giver mulighed for smukke reflekser…“

FREDERIKSBORG AMTS AVIS

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„Flot er det, og vandet bruges effektivt som en medspiller, der kan ruske op og demonstrere de indre følelser.“

KULTURKUPEEN

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„Det er noget af det smukkeste, som vi har set i en teatersal.“

UNGT TEATERBLOD

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„Det er gennemført og flot. Og måden vandspejlet bruges på er så fabelagtigt, at havde det været en kunstinstallation, så havde det give seks rene klare stjerner i natten.“

OUT&ABOUT

„Visuel som få (scenografi ved Christian Albrechtsen), men også en poetisk og samtidig en brutal tekst, om sociale barriere, tabte muligheder, om at turde/kunne vælge. Kort sagt om livets vilkår.“

KULTURKAPELLET

„Instruktør Anja Behrens og scenograf Christian Albrechtsen har til sammen skabt en fantastisk billedsmuk iscenesættelse, hvor scenografien i alt dens enkelthed så rammende skaber stemningen af ’det sorte vand’… „

PERIPETI


Skygge

“Sydhavn Teater har tidligere vist, at de med stort held mestrer at kombinere en slags gulnet og smågotisk æstetik med en minimalistisk modernitet, og i denne vandreforestilling skabes der virkelig storslåede billeder og optrin ”  – Nanna Goul, Weekendavisen

“Vandringen fra rum til rum giver dramatisk dynamik, Dalsgaards kontaktsøgende Eurydike giver teksten krop og forankrer dens ordstrøm, mørket og kulden er sanseligt påtrængende” ♥︎♥︎♥︎♥︎ – Kizaja Ulrikke Routhe-Mogensen, Politiken

“en stærk sanselig oplevelse”  – Anne Middelboe, Information

“I den ordrige og billedmættede forestilling overraskes man igen og igen. Eurydike er ikke en fin, æterisk, klassisk figur, men en voksen kvinde i krop og stemme, der råber, vrænger og roder rundt med balloner under kostumet.” ★★★★ – Mette Garfield, Teater1

“Skygge [Eurydike siger] lander midt i en ophedet feminismedebat, hvor institutioner er udfordret, og kønsforskning betvivles i politiske kredse. Det har jeg tænkt på lige siden. For Eurydike siger noget om, hvorfor de her ting er vigtige.” Hellesblog.com

“Mille Maria Dalsgaard fører med sikker hånd sit publikum gennem en vekslen mellem kringlede, tunge monologer og abstrakt fysisk teater. Det er en teateroplevelse, hvor du skal huske at tage hjernen, varmt tøj og et åbent sind med dig.” ★★★★ – Den 4. Væg

Ödipus Stadt

Während alle Welt politisches Theater macht, vertraut das Luzerner Theater bei der ersten Sprechtheaterpremiere dieser Saison auf die Kraft einer alten Geschichte. Das ist grossartig. (Luzerner Zeitung)

So entweicht fast jede Heiligkeit aus dieser Klassik, und zurück bleibt eine dichte, nervenaufreibend vibrierende Theaterpartitur. Das Ensemble, neu zusammengestellt von der Schauspielchefin Regula Schröter, absolviert sie hellwach und in oft leiser, aber flackernder Sprache – und aus den Archetypen werden nahbare, heutige Figuren. (Tages-Anzeiger)

Die 11 Schauspielerinnen und Schauspieler haben keine einfache Aufgabe, hat es doch in «Ödipus Stadt» viele Protagonisten auf der Bühne. Trotzdem schaffen sie es, jedem Charakter innerhalb von kurzer Zeit Tiefe zu geben. Das ist beeindruckend. Das Ensemble, das in verschiedenen Choreografien auch körperlich an die Grenzen geht, bringt frischen Wind ins Haus und macht Lust auf mehr. (Radio SRF1)

Als das Licht ausgeht, zeigt das Publikum nach einem tiefen Atemzug seine Begeisterung. Es wird gejubelt und «Bravo» gerufen, die Schauspieler haben glasige Augen und der ältere Herr neben mir auf dem Sitz wendet sich plötzlich zu mir und sagt mit lachendem Gesicht: «Endlich wieder richtiges Theater.» (zentralplus)

Einer der gelungensten sprachlosen Momente: die Ödipus – Söhne ringen um die Stadt, ihre Körper tuns zwiespältig: fallend stützen sie sich, stehend drücken sie sich, vereinen und zerfleischen sie sich in Bruderliebe. Und bald liegen zwei weitere Leichen herum. Die lassen sich nicht so leicht wegklicken wie auf Newsportalen. Währenddessen bangt Iokaste, die Mutter der beiden, auf dem engen Horizont ihres anfänglichen Klotzes verbleibend um die Familie. (kulturteil)


Ich wuchs auf einem Schrottplatz auf, wo ich lernte, mich von Radkappen und Stoßstangen zu ernähren

Inforadio vom RBB
Ute Büsing, 14.03.2016
„Obwohl der flotte 90-Minüter in einem Autounfall, den die drei auf Drogen und auf der Suche nach Theodor verursachen, ein Action-Zentrum hat, kommt das Meiste locker erzählt…
Berliner Morgenpost
Alexander Gumz, 14.03.2016
„Ein Glück, ein gutes Theaterstück zu sehen. Besser noch, wenn es von jungen bis sehr jungen Menschen gespielt wird und ein sozial relevantes Thema behandelt, ohne plump…
Kulturradio vom rbb
Oliver Kranz, 16.03.2016
[…]
Und wie kommt dieser Roman jetzt hier im Deutschen Theater auf die kleine Bühne?
Das Kulturblog
Konrad Kögler, 02.05.2016
Diese Familie ist ein Fall fürs Jugendamt: Romy, Clint und Jonny haben das Pech, dass Verantwortung für ihren Erzeuger Theodor ein Fremdwort ist. „Ich wuchs auf einem Schrottplatz…

ROSE

Det er sjældent, at teaterforestillinger får så heftigt fat i tilskuerens følelser, at gråden overrumpler. Men sådan kan det altså gå i forestillingen ROSE på Team Teatret i Herning. Her aner man ikke, hvor meget man har involveret sig, før man pludselig opdager, at man hulker – og at tilskueren ved siden af også gør det. Simpelthen fordi forestillingen taler til følelserne og kroppen på en måde, så tankerne slet ikke kan følge med. ROSE er noget så specielt som en forestilling om en pige, der vokser op som datter af en flygtningefar. Hendes mor døde under fødslen, så hun har bare sin far. Men denne mand er aldrig blevet integreret i sit nye land – flugten har fuldstændig traumatiseret ham, så han er lammet af angst og ikke kan tage ansvar for pigen. Så hun tager ansvar for sig selv: smertefuldt og alt for voksent.

Flot oversættelse

Det er en hjerteskærende god tekst, som den nu 35-årige, walisiske dramatiker Hywell John har skrevet – og som fik sin førsteopsætning ved Edinburgh Festivalen i 2011. Teksten er nøgtern og upatetisk, selv om emnet nok kunne have lokket til sødsuppeidyllisering om flygtningens ensomhed. Men sådan er det ikke.

Tværtimod er teksten nærmest objektivt rapporterende. Alt er enkelt og klart, og oversætteren Peter Dupont Weis har flot ramt en dansk ligefremhed i sin tekst, uden på nogen måde at tvangsfordanske den. Teksten fremstår derfor forførende og rystende universel.

Far i dødszonen

På scenen i Herning har den nyuddannede instruktør Anja Behrens iscenesat forestillingen med sådan en fysisk enkelhed, at de to mennesker på scenen virkelig kommer ind under huden på tilskueren. Og ind i hjertet.

Skuespilleren Mikael Helmuth ligner nærmest et lig, sådan som han ligger ubevægelig oppe på en sort kasse – kun iført hjælpeløst undertøj og en hånd, der strækker sig ud efter hjælp. Men han er i live. Eller i hvert fald i en eller anden bevidsthedstilstand mellem de drukture, som han kaster sig ud i for at dulme angsten og arrene.

Mikael Helmuth spiller helt underdrevet. Hans blik lyser fjernt, som om han kronisk befinder sig i dødszonen.

Han klamrer sig til en sort æske, som han forbyder datteren at kigge i, og så er dramaet selvfølgelig allerede i gang

Kistekjole

Den nyuddannede skuespiller Sofie Ancher Vea spiller datteren – og hun brager igennem scenerummet med et intenst blik og sådan en heftighed i sin pigede krop, at man bliver helt lamslået over hendes livskraft. Hendes åndedræt er så heftigt, at tilskueren uvægerligt kommer til at trække vejret i takt med hende. Scenografen Mie Riis har givet hende en lang, hvid lillepigekjole på, som hun bevæger sig rundt i, som om den var en englekjole – og som om kjolen når som helst kunne blive hendes brudekjole eller kistekjole. Denne pige vågner ved alle faderens mareridt. Men samtidig kæmper hun imod hans fortrængningstavshed. Hun vil vide, hvor hun kommer fra, og hvorfor hendes forældre flygtede. Og Sofie Ancher Vea har sådan en klangstyrke i sin stemme og sådan en autoritet i sit blik, at selv en forløjet politiker ville gå til bekendelse over for hende.

Men faderen står tavs og ryster – han er fanget i sin forfærdelige fortid og kan ikke tale.

Helligt lys

I dansk teater spilles der mange realistiske forestillinger. Også derfor virker ROSE så forunderligt anderledes. Mie Riis’ scenografi er en stor sort kube, hvor faderen ligger på toppen. Kuben er omgivet af en masse løs jord, og her traver og løber og ruller datteren sig så rundt med en stav og et dannebrogsflag i et forsøg på at finde sine rødder og forstå det nye danske omkring hende – altså alt det, som faderen forsøger at holde hende fra. Søren Lydersen har skabt et lys med gyldne striber af både håb og død, så scenen både virker sfærisk og hellig.

Og komponisterne Camilla Munck og Weronika Andersen har skabt noget musik, der svinger fra dump krigsbuldren til desperat sang.

I stykkets andre opsætninger har scenografien tydeligvis været realistisk – med senge som på et asylcenter og den slags. Men i Herning er scenografien helt stiliseret med sin løse jord og sorte skrin – og sit lys af guld. Dermed løfter scenografen Mie Riis forestillingen op på et symbolplan, som om det havde været en danseforestilling. Her findes intet andet end de to menneskers følelser for hinanden. Det er vel netop derfor, at vi andre nede i salen pludselig snøfter med.

De blev helt stille

Selv oplevede jeg forestillingen sammen med en stor gruppe unge asylansøgere, der kun havde lært dansk i kort tid. Mange af replikkerne har sikkert været for svære for dem. Alligevel blev de helt stille. Symbolikken og oprigtigheden i skuespillernes kroppe ramte dem tydeligvis.

Samtidig spejlede de unge asylansøgere sig formodentlig i Sofie Ancher Veas desperate datterfigur og hendes uafviselige, indre styrke. Hun var tydeligvis uhelbredeligt svigtet af sin far, men samtidig var hun så fuld af kærlighed til ham – og af stolthed over, at han satte sit liv på spil for at skaffe hende et bedre liv. Denne ROSE ville jeg nødig have været foruden. Selv om den kostede tårer.

Anne Middelbo – Information


Die Deutsche Buehne
von Micheal Laages

Orestien: Endlich Theater!
Anja Behrens studiert noch an der
Theaterhochschule in Dänemarks Hauptstadt Kopenhagen, zuvor lernte sie am Michael-
Tschechow-Studio in Berlin. Zum Abschluss des dritten Studienjahrs in Kopenhagen hat
sie sich nichts weniger als die “Orestie” vorgenommen – und in gerade mal 90 Minuten
verdichtet sie die zentralen Motive in der Fabel aus dem verfluchten Haus der Atriden
und die Geschichten um Agamemnon und Klytaimnestra, Orest, Elektra und Kassandra
auf atemberaubende Weise -– zum Highlight das Festivals.
Die Quelle ist der Chor: drei Darstellerinen, drei Darsteller, alle gleich in körperenge
Umhänge gepresst (außer der barbrüstigen Klytaimnestra), alle in rotes, wenn auch nicht
blutrotes Licht getaucht, und in zentralen Momenten, zu Beginn, zum Ende hin und
immer wieder dazwischen, in einen Ring aus Leuchtstäben gezwängt, der von der
Decke herunter schwebt wie Brennelemente im Atomkraftwerk. Drei Wasserlöcher im
Boden sind Orte für den (vergeblichen) Versuch der Reinigung vom ewigen Fluch, der
über dem Menschheitsdrama liegt. In rituellem Wechsel und mit sparsam-gestischem
Repertoire, dafür aber mit extrem sicherem Gespür für das Zusammenspiel aus Sprache
und Bild, erzählt das Sextett den blutigen Mythos tatsächlich von Beginn an – im Kampf
um Macht schlachtet Atreus die Kinder vom Bruder Thyestes und setzt sie ihm zum
Mahl vor; darum wird sein Haus, wird seine Familie verflucht. Vor dem Auszug gegen
Troja opfert später der Atride Agamemnon die liebste Tochter Iphigenie dem
Kriegsglück; dafür tötet ihn nach der siegreichen Rückkehr die Gattin Klytaimnestra. An
ihr rächt wiederum den Vater der Sohn Orest; in dessen Schwester Elektra bündelt sich
das ganze Hass- und Schmerz-Gefüge der Fabel. Fehlt nur noch der Hinweis, dass am
Ende der eigentlich vier Aischylos-Stücke die Demokratie erfunden wird in Athen… das
Volk spricht Orest frei. Aber das wäre dann wohl doch ein neues Thema am
Gründungsmythos der europäischen Zivilisation.
Die komplexe Fabel zwingt Regisseurin Behrens tatsächlich in eine vollkommen
taugliche Form – das ist das Ereignis dieser Arbeit. Neu erfindet sie vielleicht nichts –
aber der eigenen Mittel sicherer war bei dieser Ausgabe von “fast forward” bisher noch
niemand. Sonntag abend wird der Festival-Preis vergeben – Anja Behrens müsste
eigentlich zu den Favoriten zählen.

“fast forward” 2013, Festival für junge Regie in Braunschweig… http://blog.die-deutsche-buehne.de/2013/11/24/fast-forward-…

Salzgitter Zeitung
von Alexander Kohlmann

Kraftvoll und sinnlich kommt auf einer blutroten Bühne im Haus III eine dänische
Version der „Orestie“ daher. Rote Körper verknoten sich miteinander, wenn sechs
Darsteller mit Schlachthof-Hauben noch einmal den Albtraum der Familiengeschichte
der Atriden lebendig werden lassen. Regisseurin Anja Behrens entwirft ein
Psychogramm der traumatisierten Elektra.
Dabei gelingt ihr das Kunststück, mit kraftstrotzenden roten Bildwelten und einem
Soundteppich aus Musik und genau artikuliertem Text vergessen zu machen, dass die
Geschichte auf Dänisch erzählt wird. Es braucht keine Untertitel, um die unendliche
Verstrickung aus Gewalt und Schuld nachzuvollziehen, die in dieser Inszenierung viel
mehr sinnlich denn intellektuell erlebbar wird. Auch so kann Theater sein.
http://www.salzgitter-zeitung.de/kultur/die-kinder-der-wohlstandsghettos-id1239580.html

junge Buehne
von Ekaterina Kel

Mit Orestien gelang der Regisseurin Anja Behrens, die mitsamt ihrer Kolleg_innen aus
Dänemark angereist ist, der wohl visuell außergewöhnlichste Abend des Festivals.
Rot, fleischig, schuldig und irgendwie auch klumpig präsentierten sich die sechs Darsteller_innen
auf der Bühne. In dieser blutbedeckten Familientragödie der Atriden gibt es keinen Seelenfrieden
mehr – der Vater Argamemnon opfert seine Tochter Iphigenie an die Götter, um nach einem Krieg
gegen Troja nach Hause kommen zu können, wo er daraufhin blut- und rachesüchtig von seiner
Frau Klytaimnestra erschlagen wird. Seine Kinder – Elektra und Orest – bilden eine Einheit ihrer
eigenen Sühne- und Rechtssprechung und töten ihre Mutter. Da kann doch keine_r mehr klar bei
Verstand bleiben.
Und so schreit sich Elektra die gequälte Seele aus dem Leib, scheitert in ihrer Suche nach
Identität, verliert sich in triebgesteuerten Sexualgelüsten zu ihren eigenen Eltern, in verzweifeltem
Hass gegen sich selbst.
Behrens hat offensichtlich keine Angst vor Pathos, vor tiefen Urgefühlen der Angst, der
Einsamkeit, des Hasses, der Lust. Sie entwarf eine neue Textfassung für die Orestie, um die
Freudianischen Libido-Themenkomplexe besser verhandeln zu können, die sie ganz im Sinne
eines Kammerspiels wohl mehr beschäftigten als der Umbruch von Rache zu Recht in der
klassischen Antike.
Die Psyche hat gestern Abend ihren Einzug in die griechische Tragödie vollends vollzogen. Dieser
eigene, ganz emotionale Zugang mit viel Liebe zur Gänsehaut bringt uns die manchmal doch so
fremd erscheinende dramatische Form der alten Griechen unheimlich nah und zeugt von viel Mut
und Einfühlsamkeitsvermögen der Regisseurin.
Ihre Kommiliton_innen haben die Lust, das Blut und die Rache in die roten Wände, in die roten
Kostüme (Christian Albrechtsen), in den genau gesetzten Lichtwechsel (Mikkel Hansen) und in
die manchmal etwas illustrative Musik (Ida Jacobsen) einziehen lassen – ein Kronleuchter aus
Neonröhren markierte das Innen und das Außen, das Allein und die Gemeinschaft und sorgte für
ein visuelles Gleichgewicht im Bühnenraum.
Voller Spannung konnten wir zuschauen, wie die Darsteller_innen ihren geschmeidigen
Rollenwechsel vollziehen, nichts, als die Position wechselnd. Jede_r darf in der Einheit der roten
Körperlichkeit mal als Teil des Chors, mal als Individuum zu Wort kommen. Bis aufs Genauste
ästhetisiert, bewegt sich die rot-klumpige Einheit zwischen tierischen Gelüsten und geordneter
Menschwerdung an der Schwelle zum Abendland.
Der Uralte Mythos lehrt uns, dass Theater immer eine spannende inhaltliche und ganz eigene Art
der Auseinandersetzung mit zentralen Themen unserer Gesellschaft bietet.

http://www.die-junge-buehne.de/blog/tag/orestien/

WEEKENDAVISEN, NR. 36
Fantomsmerter

Dramatikeren og teaterinstruktøren Anja Behrens, som Weekendavisen
træffer i Berlin, skrev og instruerede 2006 det finurlige stykke, Biene Maja und
die Folgen des Faschismus, som på intelligent og humoristisk vis tager temperaturen
på en stadig mere forvirret tredje generation, der ved alt for meget og alt for lidt om
den nationalsocialistiske fortid. Massive oplysningskampagner og lige så massive
fortielser på hjemmefronten har gjort fortiden til en allestedsnærværende reference
uden klangbund, som figurerne i stykket hverken kan undslippe eller overvinde.
Den udtalte diskrepans mellem den offentlige og den private erindring, som stykket
afdækker, kender Behrens kun alt for godt:
»Da jeg var lille, læste mine forældre højt for mig om nationalsocialismen. For dem
var det vigtigt, at jeg så tidligt som muligt lærte om fortidens forbrydelser. Og jeg
følte mig da også enormt voksen og vigtig, som jeg lå der i sengen. Jeg forstod det
naturligvis ikke helt. Som barn opfattede jeg det først og fremmest som en
fortælling. Og at mine bedsteforældre havde levet og ageret i denne tid, forstod jeg
heller ikke. Det blev ikke nævnt med ét ord.«
– Det beskriver måske meget godt den slagside, som erindringen hidtil har haft. I er
blevet bombarderet med informationer om det Tredje Rige, mens den konkrete
familiehistorie er blevet gemt af vejen.
»Jeg kan forstå, at mine forældre ville oplyse mig. Men det vidner jo om en stor
uformåen, at de ikke kunne tage det op med de mennesker, det virkelig vedrørte.
Den tyske erindring har været alt for politisk, synes jeg, og utrolig inkonsekvent.
Man har udsat børnene for den ene oplysningskampagne efter den anden, og har
samtidig, af frygt for at ødelægge børnenes idealforestillinger om bedsteforældrene,
fortiet noget meget væsentligt.«
– Den tredje generation kæmper nu med nogle skyldkomplekser, som stammer fra
en anden tid. Har første og anden generation ladt jer i stikken ved ikke at tage fat
om fortiden?
»Jeg tror, at mine forældre og mine bedsteforældre, der som ganske unge blev viklet
ind i nationalsocialisternes forførelsesmaskineri, er blevet ladt lige så meget i
stikken. Og så finder jeg i øvrigt ikke spørgsmålet om de forrige generationers skyld
og svigt så interessant. Ikke at jeg vil fortie mine bedsteforældres skyld og min
forældregenerations svigt. Men hvorfor skal jeg blive ved med at råbe op om det?
Der må være et næste skridt. Og for mig at se består dette skridt i, at vi i den tredje
generation tager ansvar for de historiske processer, vi nu engang er født ind i, og
tager fat om den emotionelle gru, vi bærer rundt på.«
– Hvordan har du arbejdet dig ind på den emotionelle gru, du omtaler?
»Da jeg begyndte at skrive stykket, indså jeg, at udfordringen især bestod i at
definere og skabe et kunstnerisk frirum uden normative fordringer, hvor dét, der nu
engang er i mig og min generation af tanker og følelser, kunne komme til udtryk.
Derved løb jeg naturligvis en risiko for at støde folk og for at være plat og åndssvag.
Men det var vigtigt, tror jeg. I denne sammenhæng er det vigtigt at kunne sætte de
herskende idealer på standby og tage bestik af det forhåndenværende. Og dér finde
en indre nødvendighed og en egen rytme. Det er naturligvis svært at rumme og
acceptere disse uafklarede følelser og tanker. Men først dér bliver det for alvor
interessant og vedkommende.«
– Nogle har kritiseret dig for ikke at skrive et traditionelt oplysningsstykke, der tager
klar afstand fra fascismen.
»Ja, mange mener, at man må være meget klar og fordømmende i sin holdning, når
man tematiserer nationalsocialismen. Det mener jeg ikke. Det er så let at skrive
bøger og lave store film om det Tredje Rige, hvor man tydeligt tilkendegiver, at ’vi er
imod nazismen’ og ’det vil aldrig ske igen’. Denne klarhed ønsker vi alle, men dykker
vi ned i det følelsesmæssige morads, vi bærer rundt på, må vi konstatere, at den
ikke findes endnu. Jeg kunne naturligvis godt have gentaget alle de rigtige
holdninger fra antifascismens ABC, men det er uinteressant. Jeg vil hellere tage fat
om det, der er, og det kunne jeg kun gøre ved at give afkald på en klar holdning.«
– Så findes der naturligvis også dem, der mener, at Tyskland ikke længere behøver
beskæftige sig med fortiden.
»Ja, men det er alt for tidligt! Nok har vi tyskere talt meget om fortiden, men
bearbejdet den har vi ikke. Det er jo ikke noget, vi kan diktere udefra. Og så forstår
jeg i øvrigt ikke diskussionen helt. Jeg ser snarere nogle muligheder, nu hvor vi i den
tredje generation kan betragte fortiden med en større distance tidsligt og emotionelt.
Lige netop derfor bør vi fortsætte. For måske er vi tyskere først nu i stand til at
nærme os sorgen og skyldkomplekserne på konstruktiv vis.«
– Hvad mener du så om det store Holocaust-mindesmærke i Berlin, som blev indviet
for lidt over to år siden? Mange opfatter det som en markering af, at Tyskland nu har
gjort det fornødne.
»Æstetisk finder jeg det vellykket. Jeg frygter naturligvis som så mange andre, at
Tyskland derved ønsker at sige, at den sidste sten nu er sat. Men måske er der også
noget sandt i det. Måske behøver vi ikke flere Mahnmale i Tyskland – disse
mindesmærker, der står som en advarsel om, hvor galt det kan gå. Måske er det
snarere tid til at sige ’fühl-doch-mal’: Kig ind i dig selv og mærk efter. Måske er det
nu tid til, at vi bevæger os ned på det personlige plan og tager livtag med fortiden i
os selv og vores familie.«

Berliner Morgenpost
von Matthias Heine

Blütenstaub aus der Vergangenheit.

Das Lied wurde jetzt natürlich auch zum Auftakt des Stücks „Biene Maja und die Folgen des
Faschismus“ im Theater Zerbrochene Fenster angestimmt. Vorher hatten die Darstellerinnen
(Sabine Böhm, Kerstin Lorisz, Silke Zängerle) den Zuschauern die Motive für ihre
Kostümwahl mitgeteilt: Die eine will ihre Maja „nicht so tussig aussehen lassen“, die andere
hat das fertige Kostüm aus dem Deko-Laden an der Hauptstraße als dann doch zu
naheliegend verworfen, die dritte hat sich Maja immer schon mit Plateauschuhen vorgestellt.
Die Regisseurin und Autorin Anja Behrens ist eine gelehrige Schülerin der postdramatischen
Komödie. Sie hat bei René Pollesch und Gesine Danckwart gelernt, wie man Figuren, die
eigentlich keine „Figuren“ sind, sondern eher gesellschaftliche Modelle, gleichzeitig handeln
und über ihr Tun reflektieren lassen kann – und das Ganze dann auch noch ziemlich
komisch wird.
Es geht darum, daß die Nazizeit noch in den Köpfen der dritten deutschen
Nachkriegsgeneration herumspukt und dabei aber längst zu einem Mediensample unter
vielen geschrumpft ist. Typisch ist eine Szene, bei der eines der drei Maja-Mädchen (Kerstin
Lorisz) einen Selbstfindungskurs im esoterischen Akazienstraßen-Stil besucht: Hier wird
aber nicht mehr wie in den Achtzigern gerolft, gechannelt, meditiert oder mit den Chakras
geschwungen, sondern sie will – ganz im Sinne der silikonfixierten Gegenwart – einen
größeren Busen bekommen. Die Mittel dazu stammen allerdings eher aus den Dreißigern:
Die Probandin muß einen „Juden“ genannten Medizinball schlagen und beschimpfen und tut
das auch, nachdem sie sich zunächst geziert hat.
Das ist oft irritierend, intelligent, witzig – und gut gespielt. Denn all die Textcollagen, mit
denen Anja Behrens das Entfernteste zusammenbringt, wären nur rauschende
Wortwasserfälle, wenn die drei Frauen dem cleveren Konstrukt nicht ein menschliches Antlitz
gäben. Durch sie wird Maja erst zur Identifikationsbiene, die in ihrem Pelz den subversiven
Blütenstaub der Reflexion ins Hirn der Zuschauer schmuggelt.
 
Neues Deutschland
Heile Welt und andere Zeiten
Von Robert Meyer

Von „ Biene Maya“ handelt ein bekanntes Kinderbuch, „die Folgen des Faschismus“ ist ein
schwarzweißer Bildband: Auf der Bühne reden drei junge Frauen begeistert über ihre
Erfahrungen mit dem Kinderbuch und den Gestalten darin. Sie sind aber auch vertraut mit
einem Bildband über die Konsequenzen des Faschismus. In ihren Köpfen überlagern sich
die Geschichten um Biene Maya mit Bildern faschistischer Strukturen.
Die Kinderwelt der Biene Maya und der Faschismus sind für die drei jungen Frauen
eigentlich nur entrückte Wirklichkeiten, die aber auf einmal zusammenfließen. „Biene Maya
und die Folgen des Faschismus“ im Theater Zerbrochene Fenster unter der Regie von Anja
Behrens ist ein Stück, das gut ins Jahr der Psychoanalyse passt. Zum einen zeigt es, wie
eine Generation, die Faschismus nur aus Büchern, Filmen oder Erzählungen kennt, mit dem
Thema umgeht. Zum anderen verweist es auf ein klassisches Mittel der eigenen Befreiung.
Es geht ums Reden über das, was einen belastet und ängstigt, darum, sich der
unterdrückenden Impulse in der Seele bewusst zu werden.
Im Vorraum zur Bühne stehen drei Bildschirme. Zu sehen sind Frauen, die offenkundig zu
jemanden sprechen, ohne, das dieser sichtbar wird. Sie berichten über die Erfahrungen, die
sie mit ihren Eltern hatten, welche Überzeugungen sie unbewusst übernahmen und jetzt
wieder abschütteln wollen. Hört man eine Zeit lang aufmerksam zu, wird deutlich, wie sehr
dabei auch das Thema Autorität eine tragendes Element ist. In Erinnerung gerufen werden
kann dabei Theodor Adornos Schrift über den autoritären Charakter.
Auf der Bühne zeigen die drei Schauspielerinnen (Sabine Böhm, Kerstin Lorisz und Silke
Zängerle), die sich alle im Biene-Maya-Look kleiden, eine eigentlich typische
Alltagsbeziehung zwischen jungen Frauen, nur durchtränkt von den Themen „Biene Maya“
und „Faschismus“, die zugleich auch als Katalysatoren für die Gefühle der Frauen dienen.
Da wird die eine zur „Biene Adolfo“ und neigt zu heftigen Empfindungen, die andere fühlt
sich als Revolutionärin, die der Welt ihre Regeln aufdrücken will. Die heile Kinderwelt der
Biene Maya, die Vorstellungen über die Grauen des Faschismus, revolutionäre Ideen und
Alltagsanforderungen bilden ein dynamisches Psychogeflecht, das sehr unterschiedliche und
wechselhafte Perspektiven hervorbringt. Durcharbeiten ist angesagt. Die Botschaft des
Stückes lautet: Schau in sich selbst hinein!
 
Biene Maja mit gestutzten Flügeln
„Biene Maya und die Folgen des Faschismus“ im Hamburger Spreckwerk
Von Birgit Schmalmack

Die drei jungen Frauen wollen sich als Biene Maja verkleiden: Jede hat dabei ihre eigene
Vorstellung von der Figur. Die eine sieht sie spontan auf Plateausohlen im Minirock vor sich
(schließlich ist eine Biene doch weiblich!), die nächste greift lieber zum gestreiften, gut
gepolsterten Jacke und Lederhose (Sie soll doch nicht zu tussig aussehen!) und die letzte
gibt sich mit Hot Pants und Herzchen-T-Shirt ein goldiges Girlie-Outfit.
So ausstaffiert widmen sich die drei Nachkriegsgeborenen den Eckpunkten ihrer elterlichen
Erziehungsbemühungen, die durch die beiden Bücher „Biene Maja“ und „Die Folgen des
Faschismus“ abgesteckt wurden. In lockerer Szenenfolge klopfen sie als Rotkäppchen,
Goldröckchen und Schwarzpfötchen all die Ideale ab, an die sie sich jeweils nur kurzzeitig
überreden konnten zu glauben. Immer nur solange bis sie die nächste noch einleuchtendere
Strömung (oder ihre Gegenströmung) entdeckten. Die Unsicherheit, ob sie momentan für die
richtige Sache streiten, war beständiger als ihre Meinungen. Vielleicht war es doch viel
wichtiger, die besten und größten Titten der Welt zu haben und die neueste Frisurkreation zu
tragen? Die drei Bienen scheinen jedenfalls vom Kurs abgekommen, wenn sie um ihrer Figur
den letzten Schliff zu geben, einen Weiterbildungskurs mit dem Titel „Wie schlage ich einen
Juden“ besuchen.
Der Text der Autorin Anja Behrens lässt Einflüsse von Gesine Dankwart, Roland
Schimmelpfennig und Rene Pollesch erkennen. Mit dem freien Berliner Ensemble „Theater
Zerbrochene Fenster“ hat sie ihr Stück selbst inszeniert. Drei Sitzwaben und drei
Wabenschiebewände sind die ganze Ausstattung, die sie dafür benötigen. Die drei
Schauspielerinnen (Sabine Böhm, Kerstin Lorisz, Silke Zängerle) schlüpfen mit Sinn für
Humor und Selbstironie in ihre Rollen, die das absurde Zeitgeist-Chaos der politisch
korrekten und unkorrekten Lebenshaltungen schlaglichtartig beleuchten. Spannendes
Theater aus der Hauptstadt zu Gast in Hamburg!

Berliner Morgenpost:

Die Väter wollten lieber schweigen, die Kinder stellten unangenehme Fragen und auch noch
bei den Enkeln war und ist das Dritte Reich sehr präsent, sei es im Schulunterricht, durch
Bücher oder Fernsehdokumentation. Befragungen der Mitte 20- bis 40Jährigen ergaben
aber, dass die wenigsten sich dennoch mit der Nazizeit persönlich auseinandergesetzt
haben, sich lieber mit Selbstfindung beschäftigten. Die Nazizeit existiert als Fiktion, in
gewisser Weise wie „Die Biene Maja“, mit der diese Generation ebenfalls großgeworden ist.
Die Autorin und Regisseurin Anja Behrens bringt in fast absurden, aber hintersinnigen
Textcollagen mit den drei Figuren Schwarzpfötchen, Rotkäppchen und Goldlöckchen das
scheinbar so Entfernte zusammen: Schuld und Unschuld.
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